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Botticelli’s
“Primavera”
… “arbitrium
tu, dea, floris habe.”
Saepe
ego digestos volui numerare colores,
nec
potui: numero copia maior erat.
Ovidio,
Fasti, V, 210
sgg .
.. "Goddess,
take charge of the flowers,"
I
often wanted to count the colors of the plants he'd
set out, but
I couldn't: the profusion was beyond counting.
(tr. B. R. Nagle, 1995)
Nature
and myths
In
an attempt to look at Botticelli’s “Primavera” and not “read”
it, many have just seen a huge tapestry particularly inspired by the
so-called
“one thousand flowers” of the Flemish school and something
usually found in rich Florentine houses where each available space is
used to insert a decorative element (see tapestry on the right). It must have
been a tour of naturalistic force for Botticelli ,only partially
recognised in the Madonna Bardi (or Pala Bardi) and its
comparison to the Birth of Venus with its stretches of water,
land and sky and a relaxing harmony of emptiness and fullness. The only
sky visible in the Primavera is that seen through the tree trunks,
the blue used to form a halo around Venus’s head. The allegoric
figures move over a carpet of flowers inside a garden enclosed by almost
too many trees. Let us proceed in order.
It
is an undisputable fact that the painting should be looked at from right
to left, the opposite of what is usually practiced. The first detail to
hit the eye is two leaning trees, in contrast to all the others that are
perpendicular. They have been bent by the strength of Zephyrus, usually
a gentle wind but he has not managed to control himself in his attempt
to catch the nymph Clori. These are realistically painted laurel bushes.
Of note is the difference in colour between the upper and lower part of
the leaves and the tender leaves that are slightly contorted. The trees
in the background with their needles sticking out of the trunks are yews
whilst under Zephyrus’s wings the “galbuli”
of one or two cypress-trees may be seen. The space below the feet or
rather that below Clori’s light dress is occupied by an enormous iris
surrounded by daisies and violets interspersed with cornflowers. Apart
from the yews and cypresses in the background, the iris and the laurel
hold a prime position by entering first into the painting – one should
ask oneself if this is not some kind of sign or symbol. This a rhetoric
question as in the Stanzas by Poliziano (one of Botticelli’s
possible mentors) there is a play on words between the Latin laurus and
the name Lorenzo, laurel appearing in the coat of arms of Lorenzo
the Magnificent and the name Lorenzo in that of Pierfrancesco de’
Medici. Another is described as a “female portraying Florence holding
a lily in her hand under a laurel bush”. The famous Florentine
fleur-de-lis was really an iris (Iris florentina) as was the flower
created by Clori/Flora after her reparatory marriage to Zephyrus.
Perhaps this was a homage to the purchaser. Perhaps.
Unknown
buyers
Many
of the art critics and historians who have examined Botticelli’s
masterpieces have fallen into the almost irreversible trap of proposing
a new more narrative rather than pictorial interpretation of the
painting. Prior literary (most frequent) and rare iconographic
references have been searched for in its composition or reasons for the
celebration of the buyers’ splendour or their bad-luck. The last clue
could be the marriage of Lorenzo di Pierfancesco de’ Medici to
Semiramide Appiani in 1482, the future birth of Giuliano de’ Medici’s
son (born out of wedlock after the death of his father and killed by
order of the Pazzi family) with Oretta Pazzi
 renamed
“Fioretta” for the occasion . In another version the unwed mother
was Fioretta Gorini or Fioretta di Antonino del Cittadino- up to the
premature entrance into Eden of the very young Simonetta Cattaneo, the
bride of Vespucci, platonically loved
 by
the same Giuliano and praised as a nymph in the famous Stanzas by
Poliziano, praising the Medici family. Apart from the marriage of
Lorenzo di Pierfrancesco, that was a significant event because it was
celebrated in church thereby marking the end of the papal
excommunication
 of
the Medici family, there was little to celebrate. An early death as the
subject of such a “joyful” painting or, perhaps, the birth of a
child born from a secret relationship.
Flowers
of life and death
The
cypress and the yew (tree of death) with their connection to cemeteries,
could emphasise the funeral significance of the painting remembering not
only the young Simonetta but also the same Giuliano who had been
assassinated in 1473. This hypothesis
 must
be abandoned after one recalls the presence of flowers that only have a
connection to death such as the pomegranate (related to the myth of
Persephone who had pomegranate seeds in her mouth as she went down to
the underworld) that seems to have been included
 in
Flora’s garland and the buttercup that occupied an even more important
position on her forehead. Then Clori became Persephone, Flora could
represent Simonetta, Zephyrus could be the Angel of Death and Mercury
might appear in the painting as a psychopomp,
accompanied by the souls of the dead as well as Giuliano de’ Medici.
Other species that have a funeral significance are the fern intended as
a weed, “groundsel”
with its brief flowering and the anemone, a symbol of short-lived
happiness.
The
flowers that really appear in the “Primavera” have an amorous
or joyful significance. Apart from the personal and multiple
significances, there are about 500 examples of plants of which 240 do
not flower, 60-70 are only Graminaea or Ciperacae, about 138 of the 190
flowering plants have been approximately identified, 38 varieties
remaining dubious and 19 unrecognisable. Some
of the trees have already been mentioned, the others that form the
background of the garden and enclose it are the myrtle that forms a halo
around Venus’s head and the citrus fruits
 full
of both flowers and fruit with leaves that are typical of a wild tree
but without thorns. There are also the fruit of the Garden of Hesperides,
the bitter oranges are sacred to Venus and remind us of the pains of
love and the symbol of matrimony apart from that of Juno and Jupiter.
Finally another play on words, they were the fruit of the Medici for
their resemblance to the gilded balls in the coat of arms and the
similarity to the name of the place they came from , Medea (coming from
Medea arbor). Myrtle was also sacred to Venus, being the plant with
which the goddess covered her nudity as she was born out of the sea (Ovid,
Celebrations, IV). They were fixed to the doorpost in cases of matrimony
(Pliny
 called this a “myrtle of marriage” in his Natural History).
So tightly linked to Venus and matrimony, it was the symbol of love and
sexual desire. It also decorated the heads of poets at a banquet or the
generals who were victors of battles without bloodshed and was the plant
of the dead but this could continue ad infinitum.
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La
Primavera di Botticelli
… “arbitrium
tu, dea, floris habe.”
Saepe
ego digestos volui numerare colores,
nec
potui: numero copia maior erat.
Ovidio, Fasti, V, 210
sgg.
… “sia
tuo, dea,il
dominio sui fiori.”
Spesso
cercai di contarne i distinti colori, ma
invano: l’abbondanza andava oltre ogni cifra.
Natura
e mito
Nel
tentativo di guardare la Primavera di Botticelli, e non di “leggerla”, molti vi hanno
visto un grandioso arazzo. In particolare, uno ispirato ai cosiddetti
“millefiori” di scuola fiamminga (e non rari nelle ricche case
fiorentine) in cui ogni spazio disponibile è utilizzato per inserirvi
un elemento decorativo [vedi arazzo a sinistra]. Per Botticelli deve essere stato un tour de force
naturalistico che ha un parziale riscontro solo nella Madonna
Bardi (o Pala Bardi) e al
cui confronto la Nascita di Venere,
con le sue distese d’acqua, terra e cielo, è una riposante armonia di
vuoti e pieni. Nella Primavera
il cielo visibile è solo quello tra i tronchi d’albero, e l’azzurro
che serve a formare un’aureola intorno al capo di Venere. Le figure
allegoriche si muovono su un tappeto di fiori all’interno di un
giardino chiuso da alberi quasi troppo fitti. Ma conviene procedere con
ordine.
È opinione
indiscussa che il quadro vada guardato da destra a sinistra,
contrariamente alla pratica più diffusa. Il primo particolare che
colpisce l’occhio è costituito da due alberi inclinati, in contrasto
con la perpendicolarità di tutti gli altri. Li piega la forza di
Zefiro, che, per quanto vento di natura gentile, non riesce a trattenere
il suo impeto di afferrare la ninfa Clori. Sono piante di alloro, con le
foglie rese in modo realistico: si distingue il diverso colore della
pagina superiore e inferiore delle foglie, e si notano delle foglie
giovani ancora leggermente contorte. Gli alberi in posizione arretrata,
con i loro aghi che sembrano spuntare dai tronchi sono stati
identificati come tassi, mentre sotto le ali di Zefiro sono ben visibili
i galbuli
di uno o più cipressi. Lo spazio sotto i piedi, o meglio sotto il
leggerissimo manto di Clori, è occupato da un prepotente giaggiolo (o
iris) contornato da margherite e violette e inframmezzato da fiordalisi.
Lasciando da parte tassi e cipressi, in posizione secondaria, la scelta
dell’iris e dell’alloro come attori primari – quelli che fanno per
primi il loro ingresso nel quadro – induce a chiedersi se non sia
nascosto qualche simbolo. Domanda retorica, perché nelle Stanze
Poliziano (possibile mentore di Botticelli) abusa del gioco di parole
tra il latino laurus e il nome
Lorenzo, e l’alloro figura nell’emblema di Lorenzo il Magnifico come
in quello di Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici. Un altro emblema
viene descritto così: “Femmina figurante Firenze con giglio in mano
all’ombra di un lauro”. Il celebre giglio di Firenze, in realtà, è
un iris (Iris florentina); ed
è anche il fiore creato da Clori/Flora dopo il matrimonio riparatore
con Zefiro. Si potrebbe, forse, cominciare a parlare di omaggio al
committente. Forse.
Committenti
ignoti
Molti dei
critici e storici dell’arte che hanno esaminato il capolavoro di
Botticelli sono spesso caduti nella tentazione, quasi irresistibile, di
proporre una propria e nuova interpretazione del quadro come se fosse un’opera
più narrativa che pittorica. Nella sua composizione sono stati cercati
antecedenti letterari (molto frequentemente) e iconografici (più
raramente) o motivi di celebrazione dei fasti dei possibili committenti
– o dei loro nefasti. Per l’ultima chiave di lettura, ad esempio, si
spazia dal matrimonio di Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici con
Semiramide Appiani nel 1482, all’attesa di Giuliano de’ Medici di un
figlio (fuori dal matrimonio e nato dopo la morte del padre, ucciso
nella congiura ordita dalla famiglia Pazzi) da Oretta Pazzi
rinominata
per l’occasione “Fioretta” – in un’altra versione la ragazza
madre sarebbe stata tale Fioretta Gorini o Fioretta di Antonio del
Cittadino – fino al prematuro ingresso nell’Eden della giovanissima
Simonetta Cattaneo sposata Vespucci, amata platonicamente
dallo
stesso Giuliano e cantata come ninfa nelle celebri Stanze che Poliziano ha scritto a lode del Medici. Matrimonio di
Lorenzo di Pierfrancesco a parte, evento significativo perché veniva
officiato in chiesa segnando così la fine della scomunica papale
comminata
ai Medici, ci sarebbe stato poco da celebrare. Una morte precoce come
soggetto di un quadro così “festoso”, o la nascita di un bimbo
frutto di una relazione da tenere nascosta?
Fiori
di vita e di morte
Il cipresso
e il tasso (“albero della morte”), con la loro connotazione
cimiteriale, potrebbero avvalorare il significato funebre dell’opera,
che oltre alla giovane Simonetta ricorderebbe lo stesso Giuliano
assassinato nel 1478. Ipotesi
da
abbandonare al più presto, dopo aver ricordato solo la presenza di
specie florali che hanno qualche collegamento con l’aldilà, come il
melograno (collegato al mito di Proserpina: durante la sua discesa all’Ade
aveva in bocca dei semi di melograno) che apparirebbe
sulla
ghirlanda di Flora e il ranuncolo che occupa una posizione più
importante, sulla sua fronte. Allora Clori diventerebbe appunto
Proserpina, Flora rappresenterebbe Simonetta, Zefiro sarebbe un Angelo
della morte, e Mercurio apparirebbe nel quadro in qualità di psicopompo,
accompagnatore di anime nell’oltretomba, se non come Giuliano de’
Medici. Altre specie che hanno un significato funereo sono la felce
intesa come pianta infestante, il senecione
dalla breve fioritura e l’anemone, simbolo di felicità di breve
durata.
In
realtà i fiori che appaiono nella Primavera sono in grandissima maggioranza portatori di significati
amorosi o gioiosi. Al di là del loro significato, sempre opinabile o
almeno multiplo, sono stati fatti dei conti: vi sono circa 500 esemplari
di piante di cui 240 non fiorite, 60~70 sono solo ciuffi di graminacee o
ciperacee; delle 190 fiorite ne sono state identificate con buona
approssimazione 138, quelle dubbie sono 38, e le non riconoscibili 19. Di
alcuni alberi si è già detto; gli altri che fanno da sfondo al
giardino, e lo chiudono, sono il mirto che fa da aureola a Venere e gli
agrumi
carichi
sia di fiori che di frutti, con le foglie tipiche delle piante
selvatiche, ma senza le spine. Oltre a essere i frutti del Giardino
delle Esperidi, gli aranci amari sono sacri a Venere e ricordano le pene
d’amore; simboleggiano il matrimonio, a partire da quello tra Giunone
e Giove; infine, ancora per un gioco di parole, erano i frutti dei
Medici per la somiglianza con le palle dorate del loro stemma e l’assonanza
col nome della terra d’origine, la Media (da cui Medica
arbor). Anche il mirto è sacro a Venere, essendo la pianta con cui
la dea avrebbe coperto la propria nudità al momento di nascere dal mare
(Ovidio, Fasti, IV); veniva affisso sulle porte in occasione dei matrimoni
(Plinio
lo
chiama “mirto del matrimonio” nelle Storie
Naturali); così strettamente legato a Venere e al matrimonio, è
simbolo di amore e desiderio sessuale. Ma ornava anche il capo di poeti
riuniti in convito e quello di generali vincitori senza spargimento di sangue
ed era una
pianta dell’oltretomba, e si potrebbe continuare quasi all’infinito.
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E-m
